OBRIGADO E PACIÊNCIA!!!

Já se passaram quase oito meses que não escrevo, aqui, neste blog.

Defendi minha dissertação de mestrado sobre super-heróis no cinema hollywoodiano. Foi muito tenso, denso e prazeroso. E o resultado parece ter sido bom. Quem sabe um livro não surge em breve.

É a primeira vez - e serão raríssimas, eu prometo - que escrevo sobre mim e não sobre um filme. Porém, há um motivo. Agradecimento. Agradeço às pessoas que não deixaram de visitar o "Reveja os filmes" e aos novos adeptos que surgiram nestes nove meses. Apesar de minha ausência, percebo que, a cada dia diversas pessoas entram no blog, lêem as análises e, vez ou outra até postam uma mensagem - o que me deixa sempre contente.

E, peço também, que tenham certa paciência, pois logo publicarei novas análises periodicamente.

Aliás, publicarei, a pedidos, os filmes que aparecem/são citados no documentário Além de Hollywood: O Melhor do Cinema Australiano, (2008), de Mark Hartley. Paciência.

Desejo a todos excelentes comemorações neste final de ano e que 2011 seja um ano repleto de energia positiva e ideias novas!

Um grande abraço e, sempre que puder, Reveja os filmes!

Grande Hotel (1932), de Edmund Goulding

Diversos personagens surgem, quase que ao mesmo tempo, mostrando-se e contando-nos um pouco de sua história. Ao som de Danúbio Azul, de Strauss, o hall do Grand Hotel parece um salão de festas onde as pessoas, quase em ritmo de valsa, vão para lá e para cá. Uns saindo, outros entrando, sempre em movimento. Como num baile, algumas pessoas interferem nos movimentos dos outros e é natural ocorrer troca de pares.

E é este ritmo e esta sensação de valsa que comandará e regerá o filme do começo ao fim.

Logo no início conhecemos, ou sabemos pelos outros, a existência de: uma famosa bailarina russa, chamada Grusinskaya (Greta Garbo) que se apresentará na cidade (Berlim); um Barão educadíssimo, fino e elegante, chamado Felix von Geigern (John Barrymore) mas descobriremos, em breve, que ele é um ladrão de joias; uma estenógrafa de beleza encantadora, chamada Flaemmchen (Joan Crawford), que é sempre cortejada por vários homens do hotel, a começar pelo seu chefe, Preysing (Wallace Berry) que está na cidade para fechar uma fusão com outra empresa de grande porte; Otto Kringelein (Lionel Barrymore), após descobrir-se doente, pretende gastar todas as suas economias e viver do bom e do melhor até que sua vida ou seu dinheiro cheguem ao fim; o dono do hotel, Dr. Ottenschlag, homem elegante e atencioso, tem seu lado esquerdo do rosto desfigurado por uma acidente, mas o que lhe é peculiar diz respeito à sua principal reclamação de que no Grand Hotel, nada acontece, as pessoas vão e vem.

Apesar de nos perdermos, no início, é interessante conhecer e saber o que ocorrerá com cada um dos personagens; o que ocorrerá dali para frente e qual será o destino de cada um. É um ensemble show dos bons - ocorre quando a história deixa de focar o personagem principal e dá atenção ao grupo, às histórias de cada um dos personagens e ao que ocorre no ambiente de encontro destes, neste caso, o Grand Hotel. (STARLING, 2006).

Percebam que bela cena e que belo cenário é o saguão do hotel visto pelas sacadas internas. Impressionante. Aliás, a direção de arte e design de produção são irretocáveis.

De forma frustrante, Greta Garbo parece estar em uma peça de teatro. Com seus gestos e modos de falar exageradamente dramáticos e melancólicos, destaca-se, de forma artificial, a todo o clima e aos personagens que a cercam.

Em compensação, percebam que atuação brilhante do ator Lionel Barrymore, interpretando o contador Kringelein, em qualquer momento. Lionel consegue transformar um senhor, quase maltrapilho e cansado em um personagem carismático, sensível e, ao mesmo tempo, leve e divertido, fazendo o espectador esquecer dos problemas de Kringelein. Há uma cena encantadora, onde tudo parece colaborar de modo a se destacar do todo, em que Kringelein está embriagado e chega ao seu quarto. Observem como a câmera titubeia, por diversas vezes e, nos dá a impressão que quase o perderá no enquadramento, nos fornecendo uma maior sensação de torpor do personagem. É muito sutil, e esse é o ponto. Pela leveza da forma de realização desta sequência podemos constatar o trabalho primoroso em todo os momentos do filme.

Em momentos pontuais, o dr. Otternschlag, dita o ritmo da "valsa fílmica" como um maestro, levando a história de uma lado ao outro e alertando-nos que nada do que ocorre ali é demais. Tudo é normal e natural, até mesmo o assassinato que ocorre durante a trama.

Com excelente roteiro, o final não poderia deixar de ser surpreendente. Onde tudo parece estável e, até torcemos para que as pistas fornecidas pela trama se confirmem, de repente um ato, um acontecimento - como uma mudança de música ou de estilo musical em uma festa - faz com que os pares troquem de casal e outros simplesmente deixem a pista de dança.

(Re)ver Grnad Hotel é apreciar um musical sem os diálogos em forma de canção e, muito menos, performances objetivas de números de dança coreografados. E, ao mesmo tempo, perceber a música, quase nunca presente, ditando o ritmo do filme, os passos dos personagens, de forma silenciosa aos ouvidos e num excelente tom aos olhos.

Gigi (1958), de Vincente Minelli

O filme começa com uma série de desenhos que resumem, um pouco, a vida e festas cotidianas da alta classe parisiense, no começo do século XX. Estas gravuras estáticas, ao contrário do que pode parecer esta descrição, lembram a forma de alguns desenhos animados antigos, como os de Pernalonga, os mais antigos.

A história começa com o tio Honoré (Maurice Chevalier) falando sobre o casamento e como a sociedade observa o comportamento dos homens e das mulheres naquela época e naquela cidade. É muito interessante quando um personagem se dirige ao público, olhando para a câmera, como se estivesse a confidenciar algo que só nós, privilegiados, saberemos. E, é exatamente o que este personagem faz. Abre o filme nos apresentando a cidade de Paris, os personagens e, quase dizendo, aproveitem o espetáculo, deixem-se levar pela emoção, venham comigo que eu lhes conduzirei a momentos de fantasia e distração, afinal, eu sei que vocês estão aí e, meu papel aqui, é fazê-los caminhar comigo pela trama da forma mais agradável possível.

Reparem como este personagem, em especial, é um perfeito anfitrião. Carismático, leve, simpático e divertido, aparece na trama nos momentos mais oportunos só para saber se está tudo bem e pontuar as partes fundamentais do que ele quer que prestemos maior atenção. Parece que, desde o começo, o filme quer conquistar, cuidar e tratar bem o público, naturalmente. E consegue.

Gigi (Leslie Caron) é uma menina de 15 anos e recebe educação da avó materna, Madame Alvarez (Hermione Gingold) já que sua mãe dedica-se, única e exclusivamente, aos ensaios de canto. Além da avó, sua tia-avó, Alicia (Issabel Jeans) lhe dá lições de bons modos, uma vez por semana, com a finalidade de, um dia, Gigi saber se comportar como uma dama e poder usufruir das vantagens financeiras que seus futuros namorados poderão lhe oferecer.

Percebam como a casa da avó é vermelha e a da tia é rosa/lilás, como se diferenciasse de um lado a vulgaridade e do outro o refinamento. Mas, na verdade, no primeiro caso, tem mais a ver com decadência, inquietação e desconforto, refletindo o sentimento, respectivamente pelas cores de Madame Alvarez e Alicia.

A atuação de Leslie Caron (Gigi) é de encher os olhos. Tentamos descobrir algo que denuncie a mulher real, por trás do personagem de 15 anos, mas não há rastro disto. Pelo contrário, se não soubermos a idade da atriz na vida real, passará despercebido, tranquilamente, esta diferença e isto faz nos crer que há ali uma garota, moleca, de apenas 15 anos. Só não será dito aqui, a idade, a fim de não influenciar o espectador fazendo com que dê atenção a este fato e não a outros mais importantes.

Observem o belo trabalho de figurino. E, neste caso, o que não é muito comum, deve-se prestar atenção ao figurino masculino. Este, muitas vezes deixado em segundo plano, na maioria dos filmes, é uma aula visual de roupas formais (ternos: calça social, colete e paletó; smokings, sobretudos, chapéus, bengalas, etc.). Olhem, mais atentamente, a dois pontos principais: o corte e a combinação de cores das roupas de Gaston. Os cortes são impecáveis; extremamente elegantes. E, o que mais chama a atenção é o fato de serem roupas do início do século XX, mas estão muitos próximas do que há de mais moderno e elegante neste início da década de 2010; cortes retos, justos, secos, sem qualquer tipo de prega; roupas enxutas, com sobras mínimas, apenas para que se tenha mobilidade e conforto. Reparem as barras. Invisíveis. Quem diabos inventou a barra italiana que tem por única função juntar sujeira (?)

Dica! Se você, homem, for convidado a um evento em que o traje seja passeio completo, dê uma olhada nos ternos do personagem Gaston, não há como errar.

Dica 2! Lembre-se, Gaston é magro, nada contra quem está acima do peso, mas convenhamos que roupa justa só para quem não tem uns quilos a mais.

Em contrapartida, vejam como os cenários e as roupas das mulheres, apesar de muito bem feitos e estarem de acordo com a trama, são kitsch. Chegam a incomodar. Roupas, salas, salões de festas, jardins. É o oposto das roupas masculinas, neste filme, chegando ao exagero de aparecer, em um baile, por entre as mesas, uma mulher em cima de um cavalo branco (Senhor!). O mais interessante é ver Gaston bocejar, como se dissesse, eu não faço parte disso. Mas, no contexto da história sabemos que até um cavalo branco no meio de um salão de festas é, no máximo entediante para ele.

A relação entre Gigi e Gaston - sim, eles começam a se envolver de forma crescente durante a história - é cada vez mais bela e nos leva a ficar na torcida que dê certo, mesmo que haja, por enquanto, apenas uma amizade pura entre o homem mais velho que enxerga em Gigi apenas uma criança sapeca - sim, isto também ocorre. Pois não, reparem na sequência em que os dois estão na praia. Todas as cenas ali tem uma cor, um tom predominante: o branco. Mais precisamente um bege, mais conhecido como champagne. Bebida esta que circula por toda a história.

O roteiro é de uma regularidade muito bem calculada, tanto é que nas cenas finais, ele nos chacoalha, nos tira o chão e nos oferece algumas boas surpresas nos deixando sem saber para onde ir, de forma intencional.

(Re)ver Gigi, é perceber dois mundos diferentes (masculino e feminino) de uma época mais fantasiosa, mas não muito diferente de hoje, a começar pelas roupas masculinas. É admirar e aprender um pouco mais sobre elegância masculina em se vestir e, ao mesmo tempo, tomar umas aulas de como ser um bom anfitrião, como Honoré o foi, e nos apresentou uma história previsível até, porém, encantadora.

A Volta Ao Mundo Em 80 Dias (1956), de Michael Anderson

Phileas Fogg (David Niven) é um rico e metódico inglês que tem como hábito calcular e cronometrar suas rotinas e compromissos, como na instrução dada ao seu novo mordomo, Passepartout (Cantinflas), em relação ao seu café-da-manhã ser servido às 8:24. E, 8:24 não é 8:23 nem 8:25.

Durante uma conversa em um clube britânico, surge o assunto que, após uma ferrovia ter sido construída, é possível dar ao volta ao mundo em exatos 80 dias. Alguns acreditam ser impossível, outros até concordam que poderia ser realizado, mas não com exata precisão. Ao passo que, Fogg já havia calculado passo a passo a jornada e chegado a conclusão que 80 dias é o tempo necessário, e decide apostar com seus colegas que ele mesmo faria a tal viagem e chegaria de volta naquele mesmo clube no horário determinado. Ao perguntarem quando a viagem teria início, Fogg diz que seria naquele exato momento. Sendo assim, vai à sua casa, pede ao seu mordomo que prepare algumas coisas e avisa que Passepartout irá junto. É muito divertido, pois a aventura e o deadline têm início de imediato, pegando o espectador de surpresa.

Claro que, durante todo o percurso, há encontros, desencontros, surpresas, decepções, gente para ajudar e atrapalhar, etc. Mas, além deste mote fundamental da trama - é o que se espera que ocorra num filme de aventura e, ainda mais com este título - o que vale mesmo são as paisagens magníficas (na França, Espanha, Hong Kong, Japão, Índia, EUA, entre outros) e os objetos cenográficos interessantes, como um ônibus inglês de dois andares puxado por cavalos.

Percebam que belas tomadas ocorrem quando Fogg e Passepartout estão em um balão.

Outro fato interessante é observar uma tourada na Espanha, pois em nenhum momento vemos o touro ser espetado, ou mesmo, morto. Este exemplo demonstra o cuidado na realização das cenas e as escolhas feitas durante todo o filme, tornando-o leve, divertido e emplogante sem maiores apelos externos à história e aos lugares por onde os aventureiros passam.

Percebam, em Hong Kong, um barco dourado, magnífico. Aliás, a cena por completo parece uma pintura.

O roteiro é brilhante. A trama, desde o início, impõe que o protagonista cumpra o prazo determinado e, não bastasse este grande impulso, parece que a cada passo, a cada avanço, são impostos mini deadlines que determinarão o resultado do próximo e do todo. É emocionante.

No que diz respeito à emoção, o trecho mais condensado deste elemento está contido na viagem de trem nos EUA. Do começo ao fim, as cenas são eletrizantes; acontece de tudo, desde índios, pedras, pontes quebradas, duelos entre cavalheiros etc. E, como se o diretor quisesse nos dar um alívio para nos recompormos, percebam que bela e tranquila cena ocorre quando o trem para para dar passagem a uma centena de búfalos que atravessam os trilhos. Bonito demais.

Ainda no trem, observem a cena da ponte, em uma das tantas paradas do veículo. É de dar frio na barriga.

O final é surpreendente por dois motivos.

Primeiro, ao vermos a decepção de Fogg não conseguir chegar a tempo da viagem. Porém, há uma surpresa tão grande, após esta decepção, que pela segunda vez, depois de a história nos acalmar os nervos, ocorre um fato que nos faz retomar toda a ansiedade experimentada anteriormente.

Em segundo lugar, ao vermos os créditos finais descobrimos nomes que tiveram uma pequena participação/aparição na história e, se não estivermos atentos poderemos não apreciar a aparição de estrelas, como Marlene Dietrich, Frank Sinatra, Buster Keaton, John Carradine, Cesar Romero e muitos outros.

(Re)ver A Volta Ao Mundo Em 80 Dias é, primeiro, tentar descobrir em que situação estão os nomes famosos nos créditos dentro do filme. É, também, acompanhar um primor de roteiro que deixa o espectador com vontade de querer mais. Além disso, deixar-se encantar com as belas imagens que dificilmente contemplaremos, ao menos da forma que o filme nos mostra. Entre outros fatores, é isso que eleva este filme a um patamar único, brilhante e encantador.

Um Dia A Casa Cai (1986), de Richard Benjamin

Quem não compraria uma casa por um quinto do valor real? É um pouco estranho. Mas, se o corretor falasse que o proprietário necessitava do dinheiro com urgência e, após visitarmos o imóvel e percebermos que ele está em ordem, fecharíamos o negócio na hora. Correto?

E foi o que fez o casal de namorados Walter Fielding Jr. (Tom Hanks) e Anna (Shelley Long). Os dois rasparam as economias, fizeram empréstimo, tiveram que engolir o orgulho, mas no fim, compraram a casa, que diga-se de passagem era um sonho mesmo.

O filme começa mal, para nós brasileiros. Numa praia do Rio de Janeiro o pai de Walter (Douglass Watson) casa-se com uma moça chamada Macumba Girl, depois de, é claro, ter deixado somente dívidas para o filho e, por conta disso, ter "fugido" para o Brasil. Bem típico, não? E tem mais. Numa cerimônia com música que mistura samba e candomblé a "mãe de santo" ou seja lá o que ela representa, conduz a celebração em espanhol. Pois é.

Concordando ou não, há um fator no cinema, principalmente em filmes de comédia, que diz respeito a tratar alguns fatos típicos de outro povo ou outra etnia de forma caricata e exagerada elevando-se de forma ostensiva um aspecto ou outro, como forma de brincadeira. Como o ator Robin Williams disse no programa de David Letterman que Chicago não foi escolhido para sediar as Olimpíadas porque a Michelle Obama não tinha levado mulatas e cocaína para o Comitê Olímpico.

É isso, na hora podemos ficar até incomodados, indignados etc., etc., etc. - parafraseando o Rei do Sião no filme O Rei e Eu (1956), de Walter Lang com seus etceteras - porém, devemos perceber quantas vezes, por semana, ou por dia, criticamos, escrachamos, estereotipamos nossos amigos EUÂnus, hein?!

Portanto, após esta explicação de "pega leve porque é apenas um filme" e nos permitir rir de nós mesmos, vamos ao que interessa.

O filme é uma aula de como se fazer uma comédia romântica. Repleto de liçõezinhas de moral, reviravoltas na relação do casal e decisões maduras após a jornada é perfeito para se ver quais elementos não podem faltar em filmes deste tipo.

De qualquer forma há dois pontos favoráveis no filme.

Ele é divertido em alguns momentos e algumas situações. Como por exemplo, em uma cena em que Anna liga uma tomada errada e desencadeia uma sequência de fatos ao estilo abertura do programa Rá-Tim-Bum, da TV Cultura fazendo com que Walter, em certo momento da confusão, pareça o personagem, Jack Robin (Al Jolson), do filme O Cantor de Jazz (1927), de Alan Crosland e, depois uma santa no meio de uma pia batismal sendo batizada pelo pipi da estátua de um menino.

O segundo ponto favorável é que o filme é rápido, tanto na trama quanto no tempo, 91 minutos.

Uma cena curiosa ocorre na chegada dos encanadores na casa. Não sabemos se quem chega são os trabalhadores, se um filme começará a ser rodado ali, se o circo está chegando ou talvez os Hell´s Angels ou mesmo o pessoal do programa "Extreme Makeover". Bom, o resultado não poderia ser diferente, como quem viu o verá o filme pode conferir.

Apesar dos pesares, (re)ver Um Dia A Casa Cai é fazer uma imersão nos anos 1980, onde ombreiras, cabelos capacete e cores exageradas eram o must. Considerando que só o visual já é motivo para boas risadas, como correr de moletom e faixa na cabeça era essencial para uma boa perda de peso - não façam isso, como no filme, o que o personagem ganhou foi um belo mal estar; roupas leves no exercício - ou mesmo arregaçar as mangas do blazer, vale a pena ver a casa aprontando poucas e boas com os novos proprietários. Ah, e claro, o final tem uma surpresinha. Bobinha, mas se esforcem para acreditar que eles estão no Rio. Sorria!

Doutor Jivago (1965), de David Lean

É uma história de guerra civil que gerou a Revolução Russa e na década de 1910. O filme dá atenção não aos combates, que ficam em segundo plano, mas ao fatos que são refletidos e envolvem a sociedade por conta da situação.

Também fala de encontros e desencontros perdas e ganhos e, principalmente, muitas reviravoltas na trama. Quase sempre tristes ou frustrantes.

A história começa com o oficial do exército russo Yevgraf Jivago (Alec Guinness) conversando com uma moça, trabalhadora soviética, pois desconfia que ela possa ser sua sobrinha, filha de Yuri e Lara.

Yuri Jivago (Omar Sharif) perde a mãe logo cedo. Anos depois torna-se médico, casa com Tonya (Gerladine Chaplin) e tem um filho. Reparem a impressionante expressão no olhar do ator. Brilhante (sem trocadilhos).

Lara está prestes a ficar noiva, mas acaba se envolvendo com o burguês Komarovsky (Rod Steiger). Seu namorado acaba se envolvendo com a revolução e some. Lara acaba ajudando, como enfermeira durante a guerra e, é nesta época que conhece Jivago. Eles se apaixonam, mas se envolverão somente tempos depois.

É tão bonito quando o filme começa com "OVERTURE", depois tem "INTERMISSION", ou neste caso, "ENTR´ACTE". Apesar de sabermos que será uma extensa história ele serve como se desse um tempo para o espectador entrar no clima, se aquietar, se acomodar e apreciar o espetáculo que está por vir. Não que não seja bacana quando um filme já começa "com tudo", mas são efeitos diferentes. É como se o filme dissesse, tire um tempo para você e aproveite, sem pressa, o que a obra tem a lhe oferecer.

Dr. Jivago, é para se apreciar. A fotografia é impecável, as locações são belas, as paisagens amplas não tem fim. Fica claro, como a cada cena, o trabalho de fotografia e design de produção são extremamente cuidadosos. Tudo é muito rico.

Outro aspecto que impressiona é a quantidade de figurantes.

Reparem, também, como as cores preto e branco predominam e, às vezes, quando o vermelho estoura no meio das cores apáticas - como se fosse um presságio (sangue) do que estaria por vir - em sequências como a a saída dos trabalhadores, logo no início, nas faixas de protesto ou no restaurante em que Lara janta com Kimarovsky.

As cores mudam, somente, a partir de pouco mais da primeira hora de filme. Deixam de ser preto e branco (roupas e neve) e passam a ter uma cor acinzentada, esverdeada ou bege (cores do exército).

Observem como as duas grandes perdas de Jivago são representadas por folhas caindo, ora em árvores (quando sua mãe morre) ou folhas de girassóis (quando Lara lhe escapa pela primeira vez).

O final é sufocante e angustiante e primorosamente transmite boa parte do sentimento do protaginista ao espectador. Impressionante.

(Re)ver Dr. Jivago é, sem dúvida, apreciar a beleza da vida, compartilhar as dores da guerra e apreciar realmente aquela expressão "essa imagem é de cinema".

Instinto Selvagem (1992), de Paul Verhoeven

Escritora milionária é acusada de matar o namorado com um picador de gelo. Tem a seu favor e contra, ter escrito um livro que relata de forma muito próxima o crime. A dúvida é levantada. Será que Catherine Tramell escreveu a história como álibi de seu crime ou alguém leu a história e assassinou o rapaz com o intuito de incriminar a escritora?

À medida em que a investigação avança Catherine se envolve com um dos policiais que a vigia, o detetive Nick Curran, com a intenção de escrever um novo livro baseado na vida dele.

Na primeira imagem do filme temos a impressão de vermos movimentos de corpos nus por trás de um mosaico de vidro. Uma interpretação desta cena inicial é mostrar que a trama será como estas imagens, confusa, sem definições, envolvimento entre pessoas e sexo.

A cena seguinte inicia-se com um casal fazendo sexo e nos leva a crer que é uma continuação, sem desconfigurações, da imagem anterior, agora de forma nítida. Na mesma medida em que é sensual, ela acaba de forma brutal fazendo nosso subconsciente trabalhar arrastando estas imagens por todo o filme e de forma intencional, fazer com que tiremos conclusões precipitadas nos momentos cruciais.

Prestem atenção quão inteligente Catherine é. Suas falas, os jogos de palavras e seu desprendimento de pudor que a ajudam manipular situações e induzem outros a seguir o caminho que ela espera, tanto em afastar a ideia de ser suspeita, como o inverso.

Ao mesmo tempo, observem as atitudes da dra. Beth Garner (Jeanne Tripllehorn). Conforme a trama caminha, ela se torna cada vez mais dúbia e mascarada. Ora sensível e frágil, ora vingativa e ardilosa.

Para quem gosta de perseguição de carros há uma cena em que Catherine dirige seu Lotus e o detetive Nick um daqueles sedãs típicos da polícia, um Plymouth marrom metálico de uma década anterior. Chega a ser inverossímil o motivo da perseguição, pois o policial não é nada discreto no modo de seguir os passos da suspeita, o que provoca nela uma certa ira indo pela estrada de forma inconsequente. De qualquer forma é divertida e causa apreensão, como uma boa perseguição.

O filme tem cenas de erotismo e, por vezes, no limite do pornográfico. Há para todos os gostos. Algumas cenas sensuais, outras quase pornográficas e, uma em especial, quando Nick segura à força a dra. Beth numa cena intensa, quase brutal, instigante, mas muito erótica.

Como um bom suspense, Instinto Selvagem é repleto de armadilhas, mas se o espectador estiver atento e já é treinado para algumas situações de roteiro, não cairá na maioria delas, talvez por serem óbvias demais. Não há surpresas interessantíssimas o que também faz com que os espectador se sinta praticamente como um detetive muito perspicaz, por antever algumas situações e vê-las serem confirmadas adiante.

Não se preocupem com a duplicidade e falta de clareza do desfecho final. Afinal, o filme joga o público, de um lado para o outro, sem pudor. Portanto, se não chegarem a uma conclusão definitiva será natural, após tanta oscilação de fatos o mínimo é que o espectador chegue desorientado no final mesmo.

(Re)ver Intinto Selvagem é arrumar assunto para, no mínimo, uma boa conversa de bar a respeito de quem é a verdadeira culpada, mas principalmente, se as cruzadas de perna e o desfile sem roupas de Sharon Stone são dignos de uma pausa na discussão, para pedir mais um chopp.

Os Doze Condenados (1967), de Robert Aldrich

O major americano Reisman (Lee Marvin), durante a Segunda Guerra Mundial, é convocado por seus superiores a reunir e treinar 12 condenados à morte a fim de fazerem um ataque quase suicida a um castelo na França e matar o maior número possível de alemães.

O filme começa com uma cena de um condenado sendo enforcado por praticar um crime. A partir daí, sabemos que os 12 escolhidos terão o mesmo destino, ou pelo menos, terão a chance de tentar sobreviver na guerra. Apesar de algumas resistências, os escolhidos aceitam arriscar e decidem se submeter ao treinamento. Mas, Reisman avisa de antemão que, se alguém sair da linha, morre. E, se alguém cometer atos não condizentes ao esperado e desestabilizar a ordem, os outros sofrerão as consequências. Portanto, deixa na mão do grupo inteiro a responsabilidade de cuidar de um ou outro que queira subverter a ordem.

Uma curiosidade a parte, os 12 condenados são apresentados ao Major Reisman aos doze minutos de filme.

A direção de arte e o figurino são muito bem feitos e trazem à tela uma verossimilhança bem arquitetada. Prestem atenção aos uniformes, às locações externas e, principalmente, aos prédios e locais do dia-a-dia de treinamento do exército.

O roteiro é focado no treinamento e no detalhamento das histórias dos personagens, muito mais do que simplesmente na guerra em si, ou mesmo, na operação a que eles se destinam. E isto é que faz do filme algo interessante e não apenas aqueles combates, tiros e explosões comuns em filmes deste tipo.

Percebam, por exemplo, a curiosa e inusitada festa que Reisman prepara, em seu alojamento, para os comandados em comemoração ao fim do treinamento. O mais curioso é notar a falta de tato e a timidez dos condenados quando veem adentrar diversas prostitutas prontas para diverti-los. Até o primeiro tomar uma iniciativa, todos ficam ali, imóveis e perplexos, não entendendo muito bem qual deveria ser o próximo passo, até Reisman sair e fechar a porta, deixando-os, como ele mesmo disse, mais à vontade.

A invasão do castelo é repleta de surpresas e carregada de suspense. Dá frio na barriga, cada vez que o major cruza um alemão. Sua sorte é que um dos condenados que ele leva, a tiracolo, o soldado Joseph Wladislaw (Charles Bronson), fala alemão e com isso não levanta suspeitas. Mas, a cada olhar estranho, dentro do castelo, ou uma aproximação de um alemão para falar com os dois, causa um tremor enorme no espectador, pois a qualquer momento eles podem ser descobertos.

Além disso, há outros soldados do lado de fora, entre eles, Vernon Pinkley (Donald Sutherland), que fica de guarda ao lado do carro que está posicionado na entrada do castelo e, por diversas vezes, tem contato com outros soldados alemães, nos levando a pensar que desta vez ele será descoberto.

Após dominarem o château, os alemães correm para se esconder em um abrigo subterrâneo. Ao passo que, quando todos estão lá dentro, Reisman e Wladislaw trancam as duas portas que separam o abrigo do castelo, encurralando-os. Claro que eles ficam desesperados, pois não têm para onde ir e até o reforço chegar, pois o alarme foi disparado, muita coisa pode acontecer. E acontece.

Enquanto alguns dos 12 estão nas entradas do castelo para não deixar que os soldados alemães de reforço entrem e estraguem os planos americanos, outros abrem os respiros do abrigo, jogam granadas, ainda com os pinos e, após isto, despejam gasolina. Ao mesmo tempo, vemos o desespero dos alemães tentando pegar as granadas, mas não conseguem, pois estão presas entre as grades.

Como numa cena esportiva, o soldado Robert Jefferson (Jim Brown) sai correndo e joga uma granada, desta vez sem o pino, em cada buraco de respiro causando assim a explosão cadenciada do castelo e fazendo com que ele imploda, tendo em vista o abrigo ser subterrâneo.

A mensagem principal do filme, é mostrar como um ser humano que cometeu erros no passado, por diversos motivos, mas ao ter uma nova oportunidade e um objetivo de vida pode mudar e respeitar o próximo. Afinal, é sensível perceber a mudança no tratamento e na confiança dos dois lados major e condenados e vice versa.

Vale, também, citar o trabalho de Ernest Borgnine, no papel do General Worden e os nomes dos outros soldados, não citados no texto, aliás entre eles grandes nomes como: Victor Franko (John Cassavetes), Archer Magott (Telly Savallas), Pedro Jimenez (Trini López), Samson Posey (Clint Walker), Milo Vladek (Tom Busby), Glen Gilpin (Ben Carruthers), Roscoe Lever (Stuart Cooper), Seth Sawyer (Colin Maitland) e Tassos Bravos (Al Mancini).

(Re)ver Os Doze Condenados é ter a oportunidade de acompanhar o lado mais humano de episódios tristes como uma guerra, mas além disso, é ter a oportunidade de conhecer - para quem gostou de Bastardos Inglórios (2009) - um dos filmes que, certamente, tiveram grande influência nas escolhas do diretor Quentin Tarantino mostrando que os clássicos estão mais latentes do que nunca.

Como Roubar Um Milhão de Dólares (1966), de William Wyler

Bonnet (Hugh Griffith) é um homem milionário e vive numa bela casa com sua filha Nicole, em Paris. Ele, além de rico e bem relacionado, falsifica famosas obras de arte e, tempos depois, as põe à venda em leilão.

Vale ressaltar quão bela é a sala de leilão. Com um vermelho intenso é elegante e, ao mesmo tempo, bem diferente de outras que estamos acostumados a ver em filmes.

Nicole ouve no rádio de seu carro o resultado de uma venda de um quadro de Cèzanne, pintado por seu pai, que foi vendido pelo valor de US$ 500,000. Ela fica furiosa e vai para casa dizer ao seu pai que ele passara dos limites e, se não encerrasse suas atividades ilícitas, ele poderia parar na prisão. Bonnet diz que irá considerar. Esta cena é bem curiosa, pelo fato de o pai ter um esconderijo dentro de um armário. É fantástico.

Logo em seguida, a polícia chega, em diversos carros, motos e até um furgão, na casa de Nicole. Ela fica assustada, pois acredita que descobriram a farsa de seu pai e o levarão preso. Mas, na verdade, Bonnet explica que eles estão ali para levar por empréstimo uma estátua de Vênus, esculpida por Cellini avaliada em US$ 1,000,000 que será exibida no museu Kléber-Laffayette, em Paris.

O problema é que a obra foi esculpida pelo pai de Bonnet e, mais uma vez, ele está numa situação de falsificação. Os policiais levam a estátua para o museu, mas ninguém desconfia da autenticidade da peça.

Dias depois, Nicole está em casa, sozinha e ouve um barulho. Desce as escadas e percebe um invasor em sua sala tentando furtar um quadro, supostamente de Van Gogh. Ela o surpreende e ele pede desculpas, afinal parece ser um ladrão com excelentes modos. Os dois conversam, ele se apresenta como Simon Dermott (Peter O´Toolle). Diz que furta obras de arte de grande valor , sob encomenda, para vender a milionários interessados. Ele a convence em deixá-lo ir embora. De repente, a arma que estava na mão de Nicole dispara e acerta o intruso. Após o susto, ela decide levá-lo à sua casa, que na verdade é o hotel mais caro e luxuoso de Paris, o Ritz. Chegando lá ele dá um beijo em Nicole e pede para que marquem um novo encontro.

Percebam o momento em que Nicole ouve o barulho do invasor. É citado, em outras análises do blog, as diferentes formas em que Alfred Hitchcock aparece em seus filmes. E, não é que, apesar de não ter influência direta neste filme, ele aparece, de uma forma inusitada e engraçada. Cara de Hitchcock, corpo de Hepburn. Divertidíssimo.

Após a estátua estar no museu, chega à casa de Bonnet um senhor da seguradora e pede que o dono da obra assine uns papéis relativos ao seguro da peça. Logo depois de assinar, o corretor diz que será realizado um teste de autenticidade na escultura.

Bonnet se desespera e Nicole também, afinal todos os trambiques serão descobertos. De repente, Nicole lembra-se do ladrão que esteve em sua casa e pedirá a ele que roube a estátua do museu para que seu pai não seja descoberto. Dermott aceita e o plano mirabolante começa a tomar corpo.

Prestem atenção nas roupas e nas jóias de Nicole criadas pelas marcas Givenchy e Cartier, respectivamente. Muito elegantes. Uma das combinações mais marcantes ocorre quando a protagonista encontra-se com Dermott para oferecer-lhe o plano do furto da escultura. Em primeiro lugar, percebam como seus olhos brilham de forma quase tão intensa como seus brincos de brilhante.

Em segundo, no desenho de sua roupa. A protagonista está toda de preto, com uma máscara negra de renda, parecendo fazer referência a dois personagens famosos. Primeiramente à mulher-gato, dos quadrinhos de Batman. E, de forma mais direta, à personagem Frances Stevens (Grace Kelly) no filme Ladrão de Casaca (1955), de Alfred Hitchcock. Este filme também se passa na França e, o mais interessante, é seu nome em inglês "To Catch A Thief", ou seja, em tradução livre, "Para Pegar Um Ladrão". E é exatamente o que Nicole faz.

A execução do plano é muita divertida, repleta de suspense e surpresas. Uma dos personagens mais engraçados do filme surge nesta sequência. O segurança bigodudo (Mustache), além de tomar uns goles de vinho, entre uma ronda e outra, posiciona seu bigode para cima, a fim de demonstrar alegria e para baixo para demonstrar tristeza. Sutil e hilário.

O fim se revela de forma surpreendente, com um desfecho feliz, digno de uma boa comédia hollywoodiana. Aliás, o roteiro é ótimo, de ponta a ponta, e aumenta a curiosidade do espectador conforme a trama avança.

(Re)ver Como Roubar Um Milhão de Dólares é, de certa forma, torcer pelos "bandidos" e dar boas risadas com eles, se deixar levar pela fantasia e personagens caricatos que uma boa história proporciona e deixar de lado, por duas horas, o senso de justiça, em troca de boas risadas. Afinal, em um mundo fantástico como o das telas, podemos nos dar este luxo. A começar por Nicole com seus Givenchy´s e Cartier´s.

Sociedade dos Poetas Mortos (1989), de Peter Weir

A trama se inicia no ano de 1959 com a chegada de novos alunos em Welton - escola preparatória para o ingresso de alunos em renomadas univesidades americanas - que tem como seu lema: Tradição, Disciplina, Honra e Excelência. Percebe-se, desde o início, a preocupação e cobrança de pais, professores, coordenadores e alunos para que o objetivo e os resultados sejam atinigidos, pois além de ter um alto custo, há em jogo o nome da instituição, por ser a que tem o maior índice de aprovação nos Estados Unidos.

Um ex-aluno de destaque e agora professor, iniciará o curso de poesia. Seu nome? John Keating (Robin Williams) ou, se os alunos preferirem, "O Captain! My Captain!" referindo-se a um poema de Whitman, dedicado a Abraham Lincoln.

A partir daí, veremos que Keating não realizará aulas comuns, mas sim elaborará formas inusitadas e instigantes que façam os alunos aprenderem, sentirem, produzirem sobre poesia e, ao mesmo tempo, se descobrirem e buscarem dentro de si sua verdadeira paixão e vocação profissional, libertando-se do pensamento que deveriam seguir apenas o que seus pais sonham com seus futuros.

Prestem atenção às aulas do prof. Keating. São brilhantes, chacoalham os alunos, quebra paradigmas e conceitos rígidos, ou seja, uma forma nem um pouco ortodóxica de ministrar aulas.

Como exemplo, há uma cena emocionante onde ele pede a seus alunos que, após lerem a introdução de um livro de poesias, rasgue-a. Afinal, o que realmente interessa ali são as poesias em si e não fórmulas matemáticas para saber se um poema é bom ou não.

Com isso, o mestre, utilizando-se da expressão latina carpe diem (colha o dia) a seus alunos, dizendo para tornarem suas vidas extraordinárias, ganha respeito, confiança e admiração deles, a ponto de pesquisarem sobre ele e descobrirem que fazia parte, na época de estudante, de um grupo chamado Sociedade dos Poetas Mortos. Ao ser questionado por alguns alunos, Keating explica que eram reuniões secretas em que alguns alunos de sua época se juntavam para ler poesias, entre outras coisas.

A partir disto, Todd Anderson (Ethan Hawke), Neil Perry (Robert Sean Leonard), Knox Overstreet (Josh Charles), Charlie Dalton (Gale Hansen), Steven Meeks (Allelon Ruggiero), Richard Cameron (Dylan Kussman) e Gerard Pitts (James Waterston) vão até o local das antigas e secretas reuniões para retomar as atividades proibidas.

É interessante poder observar como cada estudante vai, aos poucos, quebrando suas próprias barreiras. Algo até poucos meses inimaginável, agora parece ser fundamental para que eles se sintam vivos e se dediquem mais aos estudos. E também, como a Sociedade vai tomando corpo e modifica positivamente os estudantes, como eles vão se descobrindo.

Prestem atenção em duas histórias. A de Knox Overstreet que se apaixona por uma garota e se descobre capaz de conquistá-la e, também, no personagem Neil Perry que além de ter um pai austero, por diversas vezes, não consegue demonstrar suas vontades e seus pontos de vista entrando sempre em atrito com ele.

Nesta última, Neil quer ser ator e consegue o papel principal na peça Sonhos de Uma Noite de Verão, de Shakespeare. Claro que, o pai ao descobrir vai até a escola ter com o filho e dizer que atuar na peça está fora de questão, pois aquilo desvirtuará os caminhos planejados por ele em relação a Neil.

A partir desta imposição, os fatos seguintes levam a um desfecho emocionante e triste, porém traz consigo uma carga emocional muito forte e especial na vida dos estudantes, do prof. Keating e da própria escola.

O filme é belíssimo, do início ao fim. Tanto a trama, como a beleza das locações. Prestem atenção nas cenas externas, no outono e inverno, ora com as árvores num tom alaranjado pelas suas folhas secas, ora pela imensidão branca que ocupa a área externa do colégio fornecendo dramaticidade essencial à história.

(Re)ver Sociedade dos Poetas Mortos é quase um chamado de descobrimento pessoal. Mostra de que forma as pessoas podem fazer a diferença, influneciam a vida de outros, negativa e positivamente. Mas também, é uma grande lição de auto-estima e perseverança, acreditar em seus objetivos e ter como recompensa o sentimento e reconhecimento de dever cumprido. Como Gandhi disse, certa vez: "Primeiro eles te ignoram, depois riem de você, depois brigam e, por fim, você vence."

Tony Manero (2008), de Pablo Larraín

Raul Peralta (Alfredo Castro), tem 53 anos e é um imitador do personagem Tony Manero - interpretado por John Travolta no filme Os Embalos de Sábado À Noite (1977), de John Badham - que está em seu auge, nos cinemas. A história se passa na década de 1970, no Chile.

Raul se inscreve em um programa de TV a fim de participar de um quadro de imitadores de Tony Manero. Ocorre que, apesar de não ser um grande empecilho, a idade já faz diferença. Além disso, vemos claramente que o protagonista é ou está decadente, pois não sabemos, durante a trama, sobre seu passado.

Ocorre que, apesar de Raul buscar um sonho de se tornar (re)conhecido por suas aptidões artísticas, também não se importa em cometer alguns crimes cruéis, sem propósito, de forma equivocada e absurda para atingi-lo.

Reparem na cena em que o protagonista observa uma senhora ser atacada por três jovens na rua. Ele sai de seu apartamento, em um bairro decadente, vai ao encontro da vítima e a ajuda a levá-la em casa. A partir daí, temos um clima de que algo não acabará bem, mas pela atitude de Raul, em ajudar a pobre senhora, acreditamos que nada sério ocorrerá. Mas, o desfecho da cena não é nem um pouco amigável, pelo contrário, é forte, impactante e tem a intenção, logo no início do filme, em deixar o espectador atônito.

E o filme inteiro é assim. Violento, intrigante, sujo. Não sabemos, ao certo, o rumo da trama e quais outras surpresas ocorrerão.

A época tratada no filme ocorre em um Chile, sob ditadura militar no comando do general Augusto Pinochet. Vemos um país tenso, com o exército fazendo ronda nas ruas e a população privada em diversos aspectos.

Apesar de Raul ter um ar cansado, auto-estima baixa, ser egoísta ao extremo, frustrado, descontrolado, sem dinheiro e viver de favores e trambiques, é cercado por mulheres, também decadentes, mas que veem nele algo que as atrai disputando sua atenção, sexual inclusive (apesar de estar impotente). Ele dá as cartas nos ensaios de dança, maltrata a todos e, mesmo assim, as pessoas que o cercam voltam a quase que implorar sua atenção, numa espécie de bumerangue de maus tratos coordenado por ele.

O filme se destaca pela direção de arte, fotografia, design de produção e muito, pelo excelente trabalho do ator Alfredo Castro que dá um ar quase grotesco ao personagem.

(Re)ver Tony Manero é perceber as formas infinitas de desdobramentos de histórias e personagens que a criatividade humana pode oferecer. Pra melhor ou pior. Basta você julgar, como Raul foi julgado no fim do filme.

Golpe de Mestre (1973), de George Roy Hill

O filme começa com um ragtime (música popular americana na década de 1910) e parece dar ritmo e leveza à trama que se passa em Chicago na década de 1930, mas parece ter sido composta para Golpe de Mestre, pois o filme tem o ritmo da música, é impressionante.

Johnny Hooker (Robert Redford) é um trapaceiro de primeira que comete pequenos golpes e, geralmente, conta com a ajuda de outros da sua estirpe. Apesar disso, está sempre em enrascadas e não tem o dom de administrar seu dinheiro, gastando-o em jogos, bebidas e mulheres. E, apesar das trapaças certeiras de Hooker, ele sempre está em apuros, nos levando ao pensamento de que, agora sim não terá mais como escapar. Este jogo com o espectador será do começo ao fim, levando-nos até o ponto de ficarmos tristes e decepcionados quando ele está num beco sem saída ou há um fato definitivo onde não há mais nada que se possa fazer.

Reparem, numa das primeiras cenas do filme, quando Hooker evita um assalto. É tudo muito rápido e o espectador precisa ficar atento a todos os detalhes, caso contrário, correrá o risco de não entender como toda a cena aconteceu. É divertidíssimo e surpreendente.

O filme é dividido em seis atos: A Armação; A Isca; O Conto; O Telégrafo; A Recusa e O Golpe.

Luther Coleman (Robert Earl Jones) e Hooker cometem um golpe, mas não sabiam que o enganado era um dos capangas do gângster/banqueiro Doyle Lonnegan (Robert Shaw) que carregava consigo o dinheiro do patrão. Após isso, Coleman é assassinado e Johnny é intimado a recuperar o dinheiro pelo corrupto detetive William Snyder (Charles Durning).

Hooker engana Snyder e foge à procura de um velho amigo de Luther, o também trapaceiro Henry Gondorff (Paul Newman). A partir daí, eles tramarão um golpe que, se der certo, garantirá suas aposentadorias.

Na segunda parte (A Isca), fiquem atentos à conversa entre Henry e Johnny em relação ao golpe que cometerão no jogo de pôquer. É antecipada, de forma pontual, as cenas que virão a seguir. O mais interessante é que nem tudo é dito e, por isso, o público é surpreendido com nova continuidade do golpe.

O filme é repleto de sutilezas imagéticas e de interpretação. Por exemplo, quando Hooker está sentado junto à janela de um trem e recebe uma carteira de couro. Percebam as imagens que representam a paisagem de fora. É espetacular, pois elas são em preto e branco. Ou, ainda no trem, quando Johnny mede, de cima a baixo, um dos seguranças que está diante da porta da cabine de Lonnegan. Divertida a cena, pois vemos, apenas os olhos de Hooker, por cima dos ombros do segurança, subindo e descendo.

À medida em que o filme caminha torna-se mais envolvente e carismático. Mas outro fator que desperta um grande interesse, paralelo à história, são as artimanhas utilizadas pelos golpistas, de ponta a ponta na trama. Reparem, atenciosamente, como Lonnegan substitui as cartas do jogo por outras que seu capanga preparou.

Apesar das trapaças, certeiras de Hooker, ele sempre está em apuros e nos faz pensar que da próxima vez ele não irá escapar.

O trabalho de direção de arte e design de produção são magníficos. É muito encantador ver os cenários representando Chicago nos anos de 1930. Os carros, as lanchonetes/restaurantes, as fachadas dos prédios etc.

Outro ponto alto é o figurino. Os homens elegantes trajando terno, chapéu, às vezes smoking. Tudo muito bem cortado, alinhado e desenhado de acordo com as características da época.

O roteiro é brilhante. Tudo se encaixa perfeitamente, do início ao fim. Nada está fora do lugar, tudo é muito claro e certeiro. Tanto é que, o final do filme é arrebatador. Causa furor, espanto mas não frustra ou engana. Afinal está tudo explicado, dito e repetido durante toda a história.

(Re)ver Golpe de Mestre pode tornar-se um vício, pois a cada nova visita, o espectador certamente, descobrirá novos detalhes, sejam eles visuais ou naturais da própria trama. Além do que, é uma excelente aula de como escrever um roteiro preciso.

A Intérprete (2005), de Sydney Pollack

Quando crianças são envolvidas em situações de violência, no cinema, pode ser despertado no espectador diversos sentimentos ruins, como raiva, incômodo, repulsão etc. E, quando vemos menores cometendo atos violentos é igualmente chocante. Parece que tudo está errado mesmo. E, é assim que o filme inicia fazendo com que o público fique atento por todo a trama.

Silvia Broome (Nicole Kidman) é intérprete na ONU há cerca de cinco anos. Em mais um final de expediente, ela lembra ter deixado uma sacola dentro de uma cabine de som. Ao entrar na sala, percebe que há vozes no fone de ouvido e vai conferir. Descobre que estão tramando um assassinato de um líder africano, dr. Zuwanie (Earl Cameron), que poderá ocorrer durante seu discurso na Assembleia Geral do órgão. Sem querer, Silvia, acende a luz da cabine e supõe que, quem tramava o crime poderia tê-la visto. Broome corre e consegue escapar. No dia seguinte, ela conta ao departamento de segurança o que ocorreu.

Durante a trama, o agente do FBI, Tobin Keller (Sean Penn), trabalha para descobrir se Silvia está mentido ou o risco do crime ocorrer é real e, buscando novos elementos sobre a vida da protagonista, percebe que ela poderia ter interesses maiores no caso.

Inicia-se, a partir daí, um thriller emocionante. Ela terá de provar que não há interesses na invenção do fato e deverá ficar alerta em relação à sua segurança, pois os verdadeiros interessados farão o necessário para tirá-la do caminho e concluir o plano.

Reparem na cena em que Silvia está em sua casa tocando flauta e, de repente, o telefone toca. Se você estiver concentrado e conectado com o filme, verá que a situação é assustadora. Nada muito impactante, mas é uma surpresa das boas.

Sean Penn atua de forma muito correta na interpretação de seu papel. Seu personagem cresce a cada cena. Há sempre uma carga emocional em seu personagem. Ou pelo fato de ser um durão agente do FBI ou, principalmente, quando o assunto sobre a morte de sua mulher vem à tona.

Em relação a isso, reparem na preparação para elevar a importância do trauma - que a morte de sua mulher lhe causou - na trama e na construção do personagem. Percebam em primeiro lugar, a história do rio contada por Silvia a Keller. Em segundo, cenas depois, a história e a reação de Keller sobre sua mulher. É de dar nó na garganta.

É muito curioso quando o diretor aparece em seu próprio filme. Atuando como personagem principal, numa pequena cena ou até em uma foto. Não importa. Se a aparição contribui honestamente para a trama, enriquecendo-a, aproveitem. Antes de ver um filme, procurem uma foto do diretor, procurem saber como ele é fisicamente. Com este dado em mãos, talvez você o descubra em algum momento da história. E, o mais divertido é saber que esta situação é mais corriqueira do que se imagina. Para quem desconhece, o diretor Sydney Pollack, em A Intérprete, é Jay Pettigrew, chefe do agente Keller.

Além das surpresas e emoções, não poderia faltar o suspense. E isso o filme distribui do começo ao fim. Observem por exemplo, a sequência no ônibus. Não há como relaxar e pensar que tudo acabará bem.

Em outro momento, percebam que bela preparação de suspense ocorre a partir do momento em que Silvia escreve seu nome no caderno de mortos de seu irmão, depois, em casa, ao arrumar sua bolsa, os cortes rápidos em que são mostradas as fotos de um fotógrafo morto em uma banheira e, logo após, Silvia se preparando para tomar banho e enchendo sua banheira. A trama leva a crer, do mais ingênuo ao mais vigilante dos espectadores, que o destino trágico da personagem está decretado.

O roteiro é muito bem construído e, destina-se ao que se propõe. É um thriller carregado de suspense e leva o público a torcer pelos personagens carismáticos, Silvia e Keller. Vejam como o sussuro, elemento sempre em voga na história, tem sua importância maximizada no clímax, fechando o circuito.

Mas, no fim do filme, o diretor parece nos oferecer, em doses pequenas, o alívio da tensão, a cada nome dos mortos em guerra, que a protagonista lê.

Outro aspecto interessante é observar a ONU e seu interior. Quem teve a oportunidade de visitá-la, poderá relembrar alguns locais, ou mesmo, a situação de ser levado por um guia, como o filme mostra em uma cena. E, quem não conhece, tem em mãos uma bela oportunidade de saber como são alguns dos ambientes da Organização, situada em Nova Iorque e, quem sabe pode servir de incentivo ao planejamento da próxima viagem. Afinal, como alguém já disse, se você quiser se sentir dentro de um filme, vá pra NY. E eu complemento, quer conhecer NY veja alguns filmes.

(Re)ver A Intérprete, nos dá a oportunidade que muitos ainda não tiveram acesso. É um privilégio poder conhecer ou (re)visitar a ONU e, de quebra, rever a cidade de Nova Iorque, mesmo que seja por apenas duas horas, mas, em contrapartida, a apenas um clique no controle remoto.

Barton Fink: Delírios de Hollywood (1991), de Joel Coen

Barton Fink (John Turturro) é um escritor de teatro em ascenção na Broadway na década de 1940. Após sua última peça ser considerada um sucesso pela crítica ele é convidado a escrever em Hollywood. No início Barton reluta, mas decide encarar o desafio e muda-se para Los Angeles.

Ao conversar com o chefão do estúdio Capital Pictures, Jack Lipnick (Michael Lerner), Fink têm de escrever um roteiro sobre um lutador de boxe. Acontece que, não conhecendo absolutamente nada sobre este assunto, o escritor se vê incapaz de iniciar uma história. Isto o angústia e o tempo é muito curto, pois em uma semana ele deverá entregar a ideia principal a Lipnick. Este nome, aliás, em português teria uma tradução mais ou menos como lábios que picotam ou lábios que entalham. Observem o modo de falar do personagem. Parece um telégrafo.

Quem já viu algum filme dos irmãos Coen sabe que há sempre um sujeito esquisitão na trama. E este filme não foge à regra. São pessoas estranhas, com trejeitos nem um pouco normais, mas que nos surpreendem pelas atitudes não condizentes com o visual. Geralmente são inteligentes e astutas, pois têm objetivos concretos, mesmo que passem por percalços durante a trama. Quando você já está certo que o personagem é estúpido ou bobo ele tem atitudes inteligentes.

Após você começar a se convencer que ele é bem esperto, o personagem comete atos muito estúpidos, quase infantis. É uma forma brilhante que os irmão Coen encontraram para que o espectador sempre preste atenção no protagonista a fim de tentar descobrir qual será seu próximo passo. Estúpido ou inteligente? Barton Fink é um destes sujeitos.

O nome tem muito a ver com o personagem. Fink pode-se entender como think, ou seja, pensar/imaginar em inglês.

Prestem atenção no personagem Charles Meadows (John Goodman), vizinho de quarto de Barton. Fundamental na história, segue a mesma linha de comportamento descrita acima.

Percebam como o Hotel Earle, em que Barton se hospeda, é tão esquisito como ele. Exagaerdamente cafona, kitsch e curioso. Mas, ao mesmo tempo, tudo estranhamente combina. É claro notar o belo trabalho de direção de arte em que os ambientes se encaixam no personagem e vice e versa.

O corredor do hotel é algo encantador. Comprido, obscuro e com um ar de assombração. Vemos uma simetria muito bem calculada, complementada pelos pares de sapatos em frente a cada porta dos quartos. Apesar de bem iluminado, chega a dar arrepios e nos faz pensar que algo de errado está para acontecer ali.

Ao chegar no quarto do hotel, Fink olha para a escrivaninha e depara-se com um bloco de papel e um lápis, sem ponta. Os detalhes neste filme é que fazem a diferença. É muito interessante.

Outro aspecto curioso é ver como funciona(va) a indústria de Hollywood em determinado aspecto, como neste caso, na visão de um roteirista - mesmo que haja um certo exagero dos personagens, pois são caricatos e não têm a preocupação em nos mostrar algo próximo à realidade.

Em relação à realidade, não nos é informado de forma clara e direta quando o filme transforma-se em um sonho/pesadelo de Barton, mas certamente quando o presidente do estúdio beija os pés de Fink podem ter certeza que daí em diante o protagonista já está sonhando. A impressão que se dá é a partir do momento em que Audrey Taylor (Judy Davis), mulher e secretária do conceituado roteirista W.P. Mayhew (John Mahoney), amanhece ao lado de Fink podemos, também, considerar como um delírio de Barton.

Há outra dica da fusão entre realidade/não realidade quando Barton lê um trecho da Bíbila. Ao invés de conter os textos naturais ao livro há, em seu lugar, o início do roteiro que Fink escreveu.

Os irmãos Coen adoram colocar em seus filmes algo que chama-se Mc Guffin, ou seja, um objeto que, a princípio parece ter alguma importância para a trama, mas no fim das contas é irrelevante e serve apenas para distrair a atenção do público. Há dois objetos que chamam atenção durante boa parte da história. Um pequeno quadro com a figura de uma mulher, de costas, sentada na praia e um embrulho que Charles entrega a Fink. Descubram, na última cena do filme qual dos dois dois objetos é um McGuffin e qual tem real importância e faça com que percebamos que tudo no filme tem um propósito.








Reparem a semelhança entre o personagem e o cineasta Woddy Allen; não só fisicamente, mas também os papéis que Allen representa nos cinemas. O cabelo desgrenhado, os óculos, as roupas amarfanhadas; Barton é judeu, escreve peças de teatro, cinema e, além disso, é histérico, neurótico, questionador do cotidiano etc. Se puderem, assistam ao filme Noivo Neurótico Noiva Nervosa (1977), de Woody Allen.

(Re)ver Barton Fink é acompanhar uma história que começa e não termina onde não sabemos o que é sonho e o que é realidade. Enfim, é ver cinema.